Los fotógrafos musicales de Sudáfrica documentan la cultura y construyen confianza con los artistas, demostrando que su trabajo no puede ser replicado por la IA.
Cuando llegó la pandemia de COVID-19, las reuniones multitudinarias quedaron prácticamente prohibidas y los eventos musicales de todo tipo se paralizaron. En la búsqueda de alternativas, la transmisión en línea surgió como la solución rentable y segura: bastaba con conectarse a Instagram Live y emitir una actuación para las masas que estaban en casa, con poco más que hacer que escapar de la plaga. El siguiente paso lógico fue la aparición de modelos de negocio centrados en el streaming, lo que a su vez aumentó la demanda de fotógrafos y videógrafos. Plataformas como Verzuz crearon un efecto dominó que inspiró a organizaciones de financiación en todo el continente, como Music In Africa, a apoyar conceptos que pudieran escalarse y presentarse a un público con tiempo libre.
En medio de la conmoción sanitaria mundial, Lerato Pakade tuiteó que había decidido convertirse en fotógrafa. Fue en 2022, y recuerda ese momento durante una conversación con OkayAfrica. “Fue en [un concierto de Bitches Brew] en el restaurante Leano”, rememora. Bitches Brew era un trío formado por Zoë Modiga, Titi Luzipo y Spha Mdlalose; el local, situado en el barrio de Braamfontein en Johannesburgo, se llama ahora Jozi Gold.
OkayAfrica ha rastreado Internet en busca de las noticias más importantes del día para que tú no tengas que hacerlo. El 16 de julio, la cobertura incluye: investigadores que buscan la causa de un incendio mortal en un hogar infantil cerca de Argel; la ampliación del esfuerzo de Zimbabue para apoyar a miles de ciudadanos retornados con alimentos, refugio, atención médica y servicios de reintegración tras un aumento de las repatriaciones; y más.
“Tomé esta foto de Titi, y literalmente lo dije. Pensé: ‘Voy a poner esto aquí para hacerme responsable’. Kanti, estaba lanzando un hechizo”, cuenta a OkayAfrica. Unos meses después, estaba en el Festival Nacional de las Artes de Makhanda con el también fotógrafo Jonothon Rees, una experiencia que describe como “un campo de entrenamiento” por los ensayos, los conciertos consecutivos y las sesiones improvisadas que se suceden durante dos semanas.
“En ese momento llevaba mi propio negocio (una consultoría), y pensé: después de este contrato, esto es lo que voy a hacer”, dice. Estar en Makhanda fue una especie de regreso a casa: allí obtuvo su título de honor en Economía, allí se conocieron sus padres y allí fue concebida. “Estar en [Makhanda] es paz para mí. Es un lugar sagrado. No es casualidad”, afirma.
La constancia, el rigor y la confianza en sí misma que la habían impulsado en sus anteriores compromisos profesionales se convirtieron en el motor de este nuevo camino. También adquirió nuevas habilidades. “Recuerdo que el primer concierto en Makhanda fue el de Mbuso Khoza. Tengo una foto de él; es como si estuviera inclinando la cabeza en oración. Yo estaba justo debajo del escenario, llorando. Nunca, nunca lo olvidaré. Eso nunca me ha abandonado. Así que [lidero con] el corazón primero, porque esa foto representa cómo me sentía en ese momento.”
El recorrido de Siphiwe Mhlambi ha sido mucho más largo que el de Pakade, con un archivo que abarca más de tres décadas y múltiples exposiciones a su nombre. La más reciente fue en marzo, durante el Festival Internacional de Jazz de Ciudad del Cabo, donde exhibió impresiones de gran formato junto a su aprendiz, Arthur Dlamini. Es uno de los fotógrafos de jazz más destacados del país y ha trabajado con un elenco estelar de artistas, desde Nduduzo Makhathini y Linda Sikhakhane hasta Judith Sephuma y Hugh Masekela. Comenzó en pleno apartheid y encontró en la fotografía de música en vivo un refugio de la violencia cotidiana que lo confrontaba.
“Puedo decir honestamente que el jazz fue algo que me dio muchísimo consuelo. Me dio libertad; me dio la oportunidad de verme a mí mismo, de crear y de ver algo de principio a fin. Lo hice durante tanto tiempo, sin saber siquiera adónde me llevaba”, dice.
Sinazo Notho es productora en la South African Broadcasting Corporation, la emisora nacional de Sudáfrica, donde su trabajo se centra en encontrar y dar visibilidad a talentos de vanguardia, desde artistas plásticos hasta músicos y más. Su trabajo, dice, es hacer que los espectadores “sientan algo”.
Continúa: “[Queremos] que la gente vea los programas en los que trabajamos, por eso busco imágenes de un artista concreto, para dar peso e importancia a la entrevista”.
Las imágenes, nos dice, ayudan a la gente a ver de qué se está hablando. “Los fotógrafos tienen una forma de capturar el alma de un momento que se queda contigo; sientes curiosidad por lo que estaba pasando cuando se tomó la imagen, y entonces quieres escuchar la entrevista porque piensas que habrá un momento en que la conversación dé vida a las imágenes. Usar imágenes comprime el tiempo. Nos permite saltarnos la exposición e ir directamente al sentimiento. Los fotógrafos son guardianes de la cultura”.
Es un reconocimiento al que vuelve a menudo. “Aprecio el tipo de acceso que obtengo a través de los fotógrafos: el contexto, porque nunca es solo contenido, ¿verdad? La honestidad en las imágenes, la historia y el estilo de las imágenes forman una narrativa que resuena en los espectadores. Mi trabajo es ser el puente entre la cámara y la comunidad. Los fotógrafos, los preservadores de la cultura, las personas que documentan la cultura, muestran la cultura de manera diferente. Sin la fotografía, la cultura es invisible. Y como productora, si hago bien ambas cosas, no solo hago un programa. Hago algo que la gente enviará a sus hijos algún día y dirá: ‘De aquí venimos'”.
Esa alma, esa conexión de la que habla Notho, llega al encuadre a través de horas de contacto interminable con uno mismo y con sus dispositivos. Tanto Pakade como Mhlambi entienden el valor de leer el ambiente, de saber cuándo disparar y cuándo retirarse. Pakade tiene el lenguaje adecuado para describirlo. “A menudo me pregunto si soy una snob de la etiqueta. Intentamos alejarnos lo más posible de eso, pero también hay una razón por la que la práctica surge de cierta manera o se establece. En primer lugar, eres un miembro del público como todos los demás. Hay algo en respetar la cita que otras personas tienen con la música, ya sea visualmente, que no estorbo. A menudo, cuando me muevo, me giro hacia la persona y le digo: ‘Solo será un minuto, lamento mucho taparle la vista’. Eso me importa, simplemente reconocer la humanidad de los demás, ya sea que sea la fotógrafa oficial o esté allí por mi cuenta”, dice.
En el tiempo que lleva en activo, Pakade ha estado en algunos fosos de fotógrafos donde esa etiqueta brillaba por su ausencia. Habla de una rabia que no puede explicar cuando la gente carece de la decencia básica y la cortesía común. “Incluso en cómo nos acercamos a los músicos en el escenario. En primer lugar, importa simplemente saludar, aunque no los conozcas. No estamos allí solo para extraer; estamos diciendo: ustedes están aquí para algo, yo también estoy aquí para algo, para ser testigo”, dice.
“Hay una cierta energía —la llamaré energía masculina, a falta de una palabra mejor— que encaja con el lenguaje de la fotografía: capturar, disparar. Hay muchos clics, o una persona se acerca tanto que el músico es consciente de su presencia. Una vez que construyes una relación con la gente, hay una manera de estar cerca en la que sabes que se sentirán cómodos, sabes que confían en ti”.
Los mundos de la música y lo visual han estado entre los más afectados por la llegada de la inteligencia artificial generativa. Con unas pocas instrucciones, es posible generar lo que podría pasar por una obra maestra en cuestión de segundos. Pero sigue siendo difícil concebir cómo la tecnología podría reemplazar las habilidades interpersonales necesarias para construir el tipo de relación que sostiene los vínculos de Pakade.
Ella lo teoriza así: “También hay decisiones que tomas, como cuándo mirar y cuándo apartar la mirada. Hay momentos en los que los músicos son tan vulnerables en el escenario. Es algo silencioso, y es algo emocional. A veces el silencio es más importante que tu foto. Cuando estás en eso, lo último que quieres oír es un clic. El músico está haciendo algo que tienes que respetar. A veces son vulnerables de una manera en la que piensas: ‘Me alegra estar aquí para presenciarlo, pero voy a dejarte tener este momento privado en público'”.
