Lembro de um show no começo da minha carreira que, por todos os critérios que eu conhecia na época, parecia um sucesso. O público foi ótimo. A casa estava lotada. As pessoas ficaram depois para conversar, comprar produtos e me dizer o quanto tinham gostado da apresentação. Fui embora dirigindo e pensando:
Quando terminei de somar viagem, hospedagem, combustível, alimentação, impostos e tudo mais que vem junto com viver de música, o lucro daquela noite não tinha nada a ver com o cachê que eu vinha comemorando. Eu não tinha feito um show ruim. Eu tinha tomado uma decisão de negócio ruim… e só percebi isso quando já era tarde.
Olhando para trás, não culpo ninguém. Ninguém me enganou. Ninguém tentou tirar proveito de mim. Como tantos artistas, eu simplesmente não tinha as ferramentas nem a base de negócios para avaliar aquela oportunidade antes de aceitar.
Foi uma lição que eu ainda aprenderia mais de uma vez. É também a razão pela qual estou convencido de que precisamos mudar a forma como preparamos artistas para uma carreira profissional.
Há gerações, nós aceitamos a dificuldade financeira como parte da história do artista. Nós romantizamos isso. Chamamos de pagar pedágio. Chamamos de paixão. Dizemos aos músicos jovens para continuarem na correria, continuarem dizendo sim, continuarem ralando e confiarem que uma hora tudo se ajeita.
A indústria da música não sofre de falta de oportunidade. Segundo a Recording Industry Association of America (RIAA), a receita da música gravada nos Estados Unidos chegou ao recorde de 17,7 bilhões de dólares em 2024. O streaming segue crescendo. A música ao vivo continua sendo uma força econômica poderosa. As novas tecnologias tornaram mais fácil do que nunca criar, distribuir e divulgar o próprio trabalho.
Ainda assim, viver de música de forma sustentável continua fora de alcance para muitos músicos em atividade. De acordo com a pesquisa Wellness in Music 2025 do MusiCares, saúde financeira e estabilidade de renda seguem entre os maiores desafios de quem trabalha com música.
Não é por falta de talento. Nem por falta de disposição para trabalhar. Pela minha experiência, músicos estão entre as pessoas mais trabalhadoras que você vai conhecer. Eles dirigem a noite inteira, carregam o próprio equipamento, tocam três sets, dormem quatro horas e fazem tudo de novo no dia seguinte, porque amam o que fazem.
Ficamos muito bons em ensinar artistas a criar, mas seguimos irregulares na hora de ensiná-los a construir carreiras sustentáveis. Ensinamos composição, palco, gravação, construção de marca, divulgação e redes sociais. O que quase nunca ensinamos é como avaliar uma oportunidade como decisão de negócio.
Um cachê maior não significa automaticamente um show melhor. Uma agenda cheia não significa que você esteja construindo um negócio que se sustenta. Uma casa lotada ainda pode dar prejuízo depois de contabilizar deslocamento, hospedagem, equipe, comissões, impostos, alimentação e todos os custos escondidos de tocar ao vivo. Estar ocupado não é a mesma coisa que ser lucrativo.
Meu sócio-fundador, Gary Arbuthnot, e eu aprendemos essa lição ao longo de décadas em cima do palco. Somados, nós dois já trabalhamos na Broadway, em salas de concerto, a bordo de navios de cruzeiro, com orquestras e em teatros pelo mundo inteiro. Vimos artistas talentosos dizerem sim no impulso da empolgação ou do instinto, simplesmente porque não tinham antes a informação de que precisavam.
Isso não é falha de caráter. É um problema de informação. Artista nenhum deveria precisar virar contador para construir uma carreira sustentável. Mas todos merecem acesso ao mesmo tipo de inteligência de negócio em que qualquer outro empreendedor se apoia.
Artistas também são empreendedores. Cada apresentação é um investimento de tempo, dinheiro, reputação e energia criativa. Cada oportunidade merece ser avaliada com o mesmo cuidado de qualquer outra decisão de negócio. Nem todo show precisa ser julgado só pelo lucro. Alguns valem a pena pelo público, pelas relações ou pelas portas que podem abrir. Mas essas devem ser decisões conscientes, e não surpresas caras.
Gary e eu acabamos criando o GigLogic porque estávamos cansados de aprender essas lições depois do fato consumado. Queríamos um jeito melhor de entender a economia de uma apresentação antes de assumir o compromisso.
Mas essa conversa é muito maior do que uma ferramenta. Ela é sobre mudar a cultura em torno das carreiras criativas. É sobre dar ao artista permissão para pensar como empreendedor sem pedir que ele deixe de pensar como artista. É sobre ajudar o músico a entender que fazer boas perguntas de negócio não diminui a criatividade. Protege.
Não esperamos que arquitetos peçam desculpas por ganhar a vida. Não romantizamos contadores endividados nem celebramos advogados que perdem dinheiro com todo cliente. Entendemos que profissionais têm o direito de compreender a economia do próprio trabalho. Artistas merecem o mesmo respeito.
Se queremos carreiras mais saudáveis, comunidades criativas mais saudáveis e uma indústria da música mais saudável, precisamos parar de tratar a incerteza financeira como parte inevitável de fazer arte.
Talento merece sustentabilidade. Paixão merece um plano. Está na hora de parar de ensinar aos artistas que passar aperto faz parte do trabalho e começar a dar a eles o conhecimento para construir carreiras que durem.
Está na hora de aposentar a ideia de que dificuldade financeira é prova de autenticidade artística.
+Leia mais: “Como escolher a casa de show independente certa para a sua apresentação ao vivo”
Craig A. Meyer é fundador do GigLogic, artista veterano de turnês e criador, produtor e estrela da produção de turnê internacional Remember When Rock Was Young – The Elton John Experience.
