Para los aficionados a la música, la transmisión en vivo de un festival siempre se ha visto como una forma de extender su influencia a quienes no pudieron asistir, ya sea por distancia o por dinero.
Una cámara extra para generar un poco de FOMO en la comunidad de fans. ¿Qué hay de malo en eso?
Pero hoy en día vemos cómo muchos festivales quiebran, los patrocinadores financieros se retiran o los festivales tienen que recurrir a nuevas formas de recaudación solidaria solo para llegar a fin de mes, además de las entradas que se quedan sin vender en una economía especialmente volátil. Todo esto deja a los festivales de música en la incómoda tesitura de tener que buscar fuentes de ingresos adicionales solo para sobrevivir.
Antes, la transmisión en vivo era un regalo extra para la comunidad digital global del festival, pero ahora el contenido digital se está convirtiendo en uno de los motores principales de la curaduría de actuaciones, el diseño de producción y los cimientos técnicos de un festival de música, de manera existencial.
Este verano, Disney+ se une a Hulu para transmitir en vivo Bonnaroo, Lollapalooza y Austin City Limits a nivel mundial, expandiendo lo que antes era una oferta de streaming centrada en Estados Unidos hacia un producto de entretenimiento internacional. Las emisiones no solo mostrarán las actuaciones, sino que también incluirán entrevistas con artistas, contenido entre bastidores y programación producida por el festival pensada específicamente para los espectadores que lo ven desde casa.
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Es una señal más de que los festivales de música están evolucionando hacia algo mucho más grande que eventos en directo de varios días. Se están convirtiendo en un nuevo tipo de empresa de medios.
Y esto es solo el principio. Esas tres alianzas siguen teniendo la actuación en directo como eje central del evento, con el público presente y el artista tocando para ellos. Esto, hoy por hoy, es una extensión de la adquisición de derechos televisivos para retransmitir eventos en vivo, como empezó a hacer la BBC con el Festival de Glastonbury en 1994.
Durante la pandemia de COVID-19 en 2020, Glastonbury se celebró íntegramente en línea y por televisión debido a las medidas de confinamiento.
Según la teórica cultural Leanne Weston, en un artículo para CST Online:
Weston escribe que el modelo de difusión dominante en el pasado se basaba, y siguió basándose incluso durante la crisis mundial de la pandemia de COVID-19, en atender una “carencia”: la carencia del público general de estar presente en lo que se considera un evento cultural compartido importante. Quienes asisten a estos eventos suelen ser considerados privilegiados, de manera oportunista.
Pero a medida que el futuro se va revelando a través de alianzas de marketing de contenidos como estas, que establecen un nuevo criterio de privilegio mediante el acceso de pago por suscripción y, por tanto, una nueva comprensión de cuál es el “producto” en la transacción de consumo de entretenimiento, hemos de suponer que esto cambiará algún día la naturaleza de los festivales de música para que atiendan primero a la audiencia digital.
Como escribe Graeme Thomson en este artículo para The Spectator: “Televisar Glastonbury ha cambiado el festival y, a su vez, ha transformado la televisión”. No puedo imaginar que no ocurra también a la inversa.
Un festival que recibe a 70.000 asistentes puede llegar de repente a millones de espectadores en todo el mundo sin añadir una sola persona a su recinto, y la audiencia ya no está limitada por la capacidad del lugar. Entonces, ¿por qué las empresas de medios seguirían poniendo al público presencial en el centro de una experiencia pensada para llegar a millones de espectadores en otros lugares?
En lugar de monetizar solo a quienes asisten físicamente, los festivales ahora pueden generar valor antes de que se abran las puertas, durante todo el fin de semana y mucho después del último bis.
Esto cambia radicalmente la economía. Las transmisiones en vivo generan inventario publicitario, valor de suscripción, oportunidades de patrocinio, clips para redes sociales, programación entre bastidores, entrevistas con artistas, material documental y años de contenido de archivo.
La transmisión en vivo también se convierte en marketing para la venta de entradas del año siguiente, recordando a los espectadores lo que se están perdiendo y ofreciendo al mismo tiempo a patrocinadores y artistas una audiencia global. Cada emisión extiende la vida del festival más allá de un solo fin de semana.
Sin embargo, mi esperanza es que este cambio no empiece a devaluar el valor de estar allí en persona, y que el público no comience a esperar acceso en lugar de asistencia. Una de las alegrías palpables que experimentamos en 2021 y 2022, cuando los eventos culturales a gran escala volvieron a ser lo bastante seguros como para invitar al público presencial, fue esa sensación de que nos habíamos estado perdiendo los momentos compartidos en el espacio público, de estar juntos en una multitud, viviendo algo como grupo.
Veremos cómo se desarrolla esto en las próximas ediciones de estos festivales. En última instancia, es positivo que hayan logrado sobrevivir a la ola de “Blue Dot Fever” que ha estado envenenando el ecosistema de la música en directo últimamente, encontrando una nueva fuente de ingresos sostenible.
Lo que no tengo tan claro es si quiero poder responder a la pregunta de “¿qué tienen en común Bonnaroo, Love Island y The Mandalorian?” con un “que puedes verlos todos desde el sofá en calzoncillos”.
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