Je me souviens d’un concert, au tout début de ma carrière, qui avait tout d’une réussite selon les critères que je connaissais à l’époque. Le public était formidable. La salle était pleine. Les gens sont restés après le spectacle pour discuter, acheter du merchandising et me dire à quel point ils avaient aimé la prestation. Je suis reparti en me disant :
Une fois pris en compte les déplacements, l’hébergement, le carburant, les repas, les impôts et tout ce qui accompagne le métier de musicien professionnel, le bénéfice de la soirée n’avait plus rien à voir avec le cachet que je fêtais quelques heures plus tôt. Je n’avais pas fait un mauvais concert. J’avais pris une mauvaise décision économique… et je ne m’en suis rendu compte qu’une fois tout terminé.
Avec le recul, je n’en veux à personne. Personne ne m’a induit en erreur. Personne n’a cherché à profiter de moi. Comme tant d’artistes, je n’avais tout simplement ni les outils ni le cadre économique nécessaires pour évaluer la proposition avant de l’accepter.
C’est une leçon que j’ai dû apprendre plus d’une fois. C’est aussi la raison pour laquelle je suis convaincu qu’il faut changer notre façon de préparer les artistes à une carrière professionnelle.
Depuis des générations, nous acceptons la précarité financière comme un élément à part entière du récit de l’artiste. Nous la romantisons. Nous appelons ça faire ses classes. Nous appelons ça la passion. Nous répétons aux jeunes musiciens de s’accrocher, de continuer à dire oui, de continuer à travailler d’arrache-pied et de croire qu’un jour, tout finira par s’arranger.
Ce n’est pas l’opportunité qui manque dans l’industrie musicale. Selon la Recording Industry Association of America (RIAA), les revenus de la musique enregistrée aux États-Unis ont atteint un record de 17,7 milliards de dollars en 2024. Le streaming continue de progresser. Le spectacle vivant reste une force économique majeure. Les nouvelles technologies n’ont jamais autant facilité la création, la distribution et la promotion pour les artistes.
Pourtant, la viabilité financière reste hors de portée pour de nombreux musiciens en activité. D’après l’enquête Wellness in Music 2025 de MusiCares, la santé financière et la stabilité des revenus figurent toujours parmi les principales difficultés rencontrées par les professionnels de la musique.
Ce n’est pas faute de talent. Ce n’est pas faute de vouloir travailler. D’expérience, les musiciens comptent parmi les gens les plus travailleurs qu’il vous sera donné de rencontrer. Ils roulent toute la nuit, portent eux-mêmes leur matériel, enchaînent trois sets, dorment quatre heures et recommencent le lendemain, parce qu’ils aiment ce qu’ils font.
Nous sommes devenus remarquablement doués pour apprendre aux artistes à créer, mais remarquablement inconstants quand il s’agit de leur apprendre à bâtir une carrière durable. Nous enseignons l’écriture, la scène, l’enregistrement, l’image de marque, la promotion et les réseaux sociaux. Ce que nous n’enseignons pas, le plus souvent, c’est comment évaluer une proposition comme une décision d’entreprise.
Un cachet plus élevé ne veut pas dire automatiquement un meilleur concert. Un agenda plein ne veut pas dire que vous construisez une activité rentable. Une salle comble peut très bien vous faire perdre de l’argent une fois comptés les trajets, l’hébergement, l’équipe technique, les commissions, les impôts, les repas et tous les frais cachés du spectacle vivant. Être débordé n’est pas la même chose qu’être rentable.
Mon cofondateur, Gary Arbuthnot, et moi avons appris cette leçon au fil de décennies passées sur scène. À nous deux, nous avons joué à Broadway, dans des salles de concert, à bord de bateaux de croisière, avec des orchestres et dans des théâtres du monde entier. Nous avons vu des artistes de talent dire oui sur un coup d’enthousiasme ou d’instinct, simplement parce qu’ils n’avaient pas l’information nécessaire au préalable.
Ce n’est pas un défaut de caractère. C’est un problème d’information. Les artistes ne devraient pas avoir à devenir comptables pour construire une carrière viable. Mais ils méritent d’accéder au même type d’intelligence économique que celui sur lequel s’appuie n’importe quel autre entrepreneur.
Les artistes aussi sont des entrepreneurs. Chaque concert est un investissement en temps, en argent, en réputation et en énergie créative. Chaque proposition mérite d’être évaluée avec le même soin que n’importe quelle autre décision d’entreprise. Tous les concerts ne doivent pas être jugés au seul critère du bénéfice. Certains valent la peine pour le public, pour les relations qu’ils créent ou pour les portes qu’ils peuvent ouvrir. Mais ce doivent être des choix assumés, pas de mauvaises surprises coûteuses.
Gary et moi avons fini par créer GigLogic parce que nous en avions assez d’apprendre ces leçons après coup. Nous voulions un meilleur moyen de comprendre l’économie d’un concert avant de nous engager.
Mais le sujet dépasse largement un simple outil. Il s’agit de changer la culture qui entoure les carrières créatives. Il s’agit d’autoriser les artistes à raisonner en entrepreneurs sans leur demander de cesser de penser en artistes. Il s’agit d’aider les musiciens à comprendre que poser des questions économiques pertinentes n’affaiblit pas la création. Cela la protège.
Nous n’attendons pas des architectes qu’ils s’excusent de gagner leur vie. Nous ne romantisons pas les comptables fauchés et nous ne félicitons pas les avocats qui perdent de l’argent sur chaque client. Nous admettons que les professionnels ont le droit de comprendre l’économie de leur métier. Les artistes méritent le même respect.
Si nous voulons des carrières plus saines, des communautés créatives plus saines et une industrie musicale plus saine, nous devons cesser de considérer l’incertitude financière comme une fatalité du métier d’artiste.
Le talent mérite d’être viable. La passion mérite un plan. Il est temps d’arrêter d’enseigner aux artistes que les difficultés financières font partie du métier et de commencer à leur donner les connaissances nécessaires pour bâtir des carrières qui durent.
Il est temps d’en finir avec l’idée que la précarité financière serait la preuve d’une authenticité artistique.
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Craig A. Meyer est le fondateur de GigLogic, artiste de tournée chevronné, ainsi que créateur, producteur et vedette du spectacle international Remember When Rock Was Young – The Elton John Experience.
